Desenvolvimentos recentes em áudio espacial – álbuns antigos e novos sendo mixados para formatos imersivos – foram notícia no mundo do pop.
Dado o processo de produção correto (no estúdio) e a configuração tecnológica (em casa), os sons dos fones de ouvido não precisam mais parecer tão estaticamente pressionados em cada ouvido; em vez disso, eles podem parecer girar em torno de sua cabeça ou acenar pela nuca.
Ou simplesmente respire novamente. Esteja você se concentrando em um sotaque perdido de guitarra deslizante no mix Dolby Atmos de Taylor Swift “Meu (versão de Taylor)” ou apreciando os detalhes serrilhados da filigrana de arranjos de latão no vintage de Frank Zappa “Grande Veloz,” a ideia é trazer para seus ouvidos a sensação tridimensional aprimorada de conjuntos de alto-falantes grandes.
Mas a música clássica já existia há décadas. A Deutsche Grammophon e a gravadora Philips experimentaram “Quadraphonic” – ou lançamentos de quatro canais – Na década de 1970. Mais recentemente, gravações e mixagens binaurais, projetadas para simular aquela sensação 3D, têm sido uma delícia. Agora, porém, essas e outras práticas de produção espacial estão desfrutando de investimentos corporativos mais profundos, incluindo a tecnologia de rastreamento de cabeça como um recurso dos mais novos fones de ouvido Beats da Apple. (Quando você move a cabeça enquanto os usa – com a opção de rastreamento ativada – os pontos sonoros parecem permanecer fixos em seu campo de 360 graus, mesmo se você desviar.)
O rastreamento de cabeça parecia em grande parte inútil para mim – até mesmo uma distração – até que tentei com a nova gravação de arquivo “Evenings at the Village Gate”, com John Coltrane e Eric Dolphy.
Ouvir o clarinete baixo de Dolphy na frente do meu rosto – de uma forma que permaneceu estável, mesmo quando eu balancei a cabeça maravilhado com sua forma de tocar – me permitiu a sensação fugaz de que estava compartilhando espaço com a lenda. Um truque bacana, embora não mais importante do que Dolphy ou Coltrane tocarem em seus próprios termos.
Na época em que a gravação foi feita, os compositores clássicos traziam conceitos espacializados para a sua prática criativa. Mesmo antes de a tecnologia comparativamente moderada de som estéreo de dois canais ser padrão em todas as casas, Karlheinz Stockhausen e outros já usavam mixagens mais complexas para trabalhos envolvendo eletrônica ou elementos gravados.
Há uma razão pela qual Stockhausen é um dos valores culturais na capa do “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”: obras do compositor, como “Gesang der Jünglinge”, de 1956, empregavam um mix de cinco alto-falantes (incluindo um no teto). Isso deixou uma impressão duradoura em Paul McCartney, que certa vez descreveu “Gesang” como seu álbum favorito. Peça “plick-plop” de Stockhausen.
Agora, cantos mais tradicionais do mundo da música clássica também estão entrando no áudio espacial.
Os principais maestros do mundo orquestral – incluindo Riccardo Muti e Esa-Pekka Salonen – aprovaram pessoalmente mixagens de áudio espacial de suas gravações recentes, que foram lançadas no Apple Music e em seu aplicativo independente de streaming de música clássica. E, como acontece com outros gêneros, a Apple reuniu playlists de remixes espacializados.
Enquanto isso, os músicos regulares do grupo imersivo da música clássica continuaram a exercer sua profissão: membros do SWR Experimentalstudio compareceram ao Time Spans Festival em Nova York este mês, trazendo obras de som surround do modernista italiano Luigi Nono. E o compositor e saxofonista americano Anthony Braxton trouxe um novo conceito de som surround, “Thunder Music”, para o Curso de Verão de Darmstadt, na Alemanha.
Essas apresentações ao vivo foram fantásticas. É uma história diferente nas gravações: depois de ouvir uma variedade de mixagens Dolby Atmos recentemente, senti que a gama de ofertas espaciais mais convencionais da música clássica continua sendo um trabalho em andamento.
Em algum lugar no meio estava o Sonic Sphere, uma realização de um conceito de áudio espacial de Stockhausen, no Shed em Nova York neste verão. Sua configuração de 124 alto-falantes abrangia cerca de 200 ouvintes por vez. No início de julho, ouvi um novo mix de “Music for 18 Musicians”, de Steve Reich, que apresentava graves turvos. Isso, infelizmente, também roubou da obra sua graça cinzelada e minimalista; em vez de seguir as linhas do clarinete baixo, você apenas adivinhou que elas estavam lá. Uma sensação de drama foi desperdiçada.
Da mesma forma, algumas seleções que você pode encontrar nas listas de reprodução “Classical in Spatial Audio” do Apple Music parecem mal selecionadas para o formato. A gravação de um trabalho solo profundo como “O Cravo Bem Temperado” de Bach não clama exatamente por tratamento espacial. Mas quando recebe um – como em uma gravação agradável de Fazil Say – apenas soa como se seus níveis de reverberação fossem elevados ao céu. É mais perturbador do que se mover. Essas mixagens estranhas também são uma má propaganda do que o Dolby Atmos pode oferecer quando aplicado ao repertório certo.
Para contrastar, veja o trabalho de abertura do álbum recente da Orquestra Sinfônica de Chicago, “Contemporary American Composers”, “Hymn for Everyone”, de Jessie Montgomery. Essa faixa é bastante convidativa em seu mix estéreo regular; mesmo quando seu tema de abertura cantável é passado entre as seções, assumindo novas cores tímbricas, ele nunca perde seu sentido sincero de convite. No mix Dolby Atmos no Apple Music, esse efeito envolvente se aprofunda. Os espaços entre cordas de arco, metais e percussão são mais amplos. Uma linha de pizzicato misturada centralmente assume um papel de ponte ainda mais dramático.
O engenheiro de áudio da orquestra, Charlie Post, disse numa entrevista que “a música contemporânea parece ser particularmente adequada para isso”. E ele relatou como, desde que ingressou na Orquestra Sinfônica de Chicago em 2014, ele tem “preparado as sessões para o futuro”, gravando com mais microfones do que o estritamente necessário para transmissão de rádio ou para fins de arquivamento. Agora, quando um formato como Dolby Atmos entra em ação, o conjunto está pronto com um programa robusto de captura de áudio – pense nele como um conjunto de dados orquestrais altamente detalhados – de cada apresentação.
Depois de trabalhar com o produtor David Frost e o especialista em mixagem espacial Silas Brown, Post é então obrigado a obter a aprovação de Riccardo Muti, diretor musical da Orquestra Sinfônica de Chicago. Post lembrou que quando o maestro, usando fones de ouvido Sennheiser, ouviu uma versão binaural do álbum “Italian Masterworks” de 2018, ele se sentiu impressionado – e deu à equipe de áudio espacial do conjunto sua bênção para fazer mais neste domínio.
“Ele achou que era mais amplo e agradável para ele”, disse Post. “Então foi um ótimo sinal de positivo.”
Na Orquestra Sinfônica de São Francisco, Salonen tem sido igualmente entusiasmado – e ainda mais ativo – com os engenheiros enquanto planeja as próximas apresentações e lançamentos.
“Temos uma equipe muito, muito boa, então eles não precisam de nenhum tipo de cuidado materno”, disse ele em entrevista por vídeo. “Mas eu também estou fascinado pelo processo, porque é um novo tipo de mixagem. Quando você posiciona objetos sonoros em um espaço 360º, torna-se como um jogo de computador superdivertido – muito divertido. E há alguns ganhos artísticos musicais que não são enigmáticos. Não precisa ser tecnologia pela tecnologia; pode haver um propósito expressivo.”
Isso fica claro nas recentes gravações de Salonen em São Francisco de músicas de Gyorgy Ligeti, várias das quais agora existem como singles habilitados para Dolby Atmos. (Uma versão de “Lux Aeterna” de Ligeti, que Stanley Kubrick usou em “2001: Uma Odisséia no Espaço”, também está disponível no YouTube em uma versão binaural otimizada para fones de ouvido.)
Em “Ramifications” de Ligeti – uma peça que requer diferentes grupos orquestrais para tocar em afinações microtonalmente diferentes – a mixagem Dolby Atmos traz à tona as diferenças peculiares. Cordas estranhas e ramificadas são mais fáceis de localizar e apreciar, espalhadas por um amplo palco sonoro; o clímax tagarela tem nova força.
Salonen, que tem se interessado em mesclar a tecnologia com a orquestra tradicional, tanto como maestro quanto como compositor, pensou em quais gravações Dolby Atmos gostaria de ver. Pensando em “Gesang der Jünglinge” de Stockhausen, ele disse: “Eu compraria isso!”
Por e-mail, Kathinka Pasveer, companheira e colaboradora de longa data de Stockhausen, disse que não havia planos de remixar o catálogo da Stockhausen Verlag. O mercado, acrescentou ela, atualmente é muito pequeno.
A participação de mercado da Apple poderia mudar isso. Mas, por enquanto, existem outros distribuidores de composições de áudio espacial de última geração.
O recente álbum da compositora Natasha Barrett, “Leap Seconds” – talvez o trabalho de áudio espacial mais vívido que encontrei na última década – vem com uma mixagem binaural apenas para fones de ouvido quando comprado do selo Sargasso. E a gravadora britânica Toda essa poeira vem lançando mixagens binaurais de álbuns em sua página do Bandcamp.
Este ano, a melhor compra de áudio espacial que fiz foi um Baixar toda aquela poeira de “Kontakte” de Stockhausen para piano, percussão e sons eletrônicos. Isso pode não ser tão interessante quanto a tecnologia mais recente, mas também não é tão caro.
Na semana em que visitei o Shed, os ingressos para o show do Reich custavam a partir de US$ 46, para um show que equivalia a uma sessão de reprodução de uma hora. Mas minha gravação em “Kontakte” foi uma espécie de corretivo: apenas 5 libras (US$ 6,37). Com esse lançamento binaural e outros semelhantes, você não precisa ser empurrado para equipamentos badalados da Apple. Qualquer pessoa com fones de ouvido sólidos – como a linha Sennheiser que Muti usou em Chicago – pode experimentar essa magia.
