A escultura de 3,3 metros parece algo saído de uma história em quadrinhos: uma bolsa luxuosa apoiada em pernas finas e combinada com tênis de alta qualidade. A obra é do artista austríaco Erwin Wurm e representa acessórios das coleções da Lanvin, grife francesa.
“Desire” (o título da escultura) foi encomendado pela Lanvin e apresentado em Pequim no início de abril. Irá viajar para outras seis cidades chinesas, incluindo Xangai – onde, em junho, será inaugurada uma exposição individual da Wurm na Fundação Fosun: o braço sem fins lucrativos do Grupo Fosun, proprietário maioritário da Lanvin.
“Fiz esta peça porque ela se encaixa na minha série”, disse Wurm, 69 anos, em entrevista por telefone, referindo-se às suas esculturas de “bolsas ambulantes”, que parodiam a paixão contemporânea das mulheres por bolsas. “Eu reduzo as mulheres a pernas longas, sapatos e bolsas. Isso é uma afirmação, mas é uma afirmação crítica.”
O artista reconheceu que a comissão de escultura da Lanvin pode parecer para alguns como se “eu criei algo para uma marca”, mas disse que concordou com isso, percebendo que “pode ser perigoso ou pode ser bom”.
Quando os artistas começaram a fazer colaborações em grande escala com marcas, há algumas décadas, observou Wurm, “todos ficaram chocados”. Hoje, disse ele, as marcas tornaram-se as versões modernas da “nobreza, dos reis ou do papa: as pessoas que encomendaram os artistas”.
“Esse é o nosso mundo”, acrescentou.
Colidindo mundos
“Desire” está entre os exemplos mais recentes da crescente sobreposição entre a arte e o mundo da moda e do luxo. Artistas estão projetando bolsas e acessórios para marcas de luxo. Marcas de luxo estão construindo museus e realizando exposições de arte. As casas de leilões, que desde o século XVIII são mercados de prestígio para belas artes, agora vendem bolsas, tênis e roupas de rua.
Para as marcas de moda, é uma situação em que todos ganham: a associação com a arte as eleva de serem vistas como empreendimentos puramente comerciais. A esperança é que os seus produtos de alta qualidade sejam comparados a obras de arte.
Os artistas beneficiam financeiramente e aumentam o seu perfil, tornando-se conhecidos por públicos mais vastos e globais. No entanto, dependendo da frequência e da extensão das colaborações, existem riscos de credibilidade: o risco de ser visto como alguém que está se vendendo por dinheiro.
O vice-gerente geral da Lanvin, Siddhartha Shukla, disse que as marcas hoje em dia são muito mais do que as coleções de moda e acessórios que lançam a cada temporada.
Ele observou que Lanvin, por exemplo, era “uma marca com uma herança incrível” que se mudou para “a cultura urbana, o mundo dos artistas de rap e musicais, o mundo dos criadores adolescentes do TikTok, o mundo das estrelas do K-pop”. A marca, disse ele, “permeou muitas dessas subculturas” e “deve reconhecer isso e responder a isso”.
Lanvin Lab – uma divisão da empresa Lanvin que começou no ano passado, após a chegada de Shukla – foi projetado para promover colaborações criativas, como a comissão de escultura de Wurm.
No entanto, no geral, “durante a maior parte do século XX, a arte e a moda estiveram separadas”, escreveu Don Thompson no seu livro de 2021, “The Curious Economics of Luxury Fashion”. “A arte era importante e a moda era frívola.”
“Hoje, as colaborações entre marcas e artistas são comuns”, acrescentou, descrevendo um processo que académicos e investigadores rotularam de “artificação”, através do qual “os fornecedores de moda de luxo querem posicionar os seus produtos mais próximos da arte, porque a arte representa gosto e cultura”.
Numa entrevista por telefone, Thompson deu um exemplo. “Se você gastasse US$ 25 mil em uma bolsa, seus amigos considerariam isso chocante e frívolo”, disse ele. “Se você gastou US$ 25 mil em uma obra de arte, você é um colecionador, você é um patrono das artes.”
“A moda gostaria de absorver essa visão do que faz como algo independente do comércio”, acrescentou.
Ao mesmo tempo, disse Thompson, “os artistas veem as colaborações pagas da mesma forma que os atores veem os comerciais pagos”. E dado que a indústria de bens de luxo é muito maior do que a indústria da arte, observou ele, o trabalho de um artista “é exibido a um público muito maior”.
A própria arte tem sido produzida em múltiplos múltiplos há muito tempo. “Passou um século de produção em massa”, disse Daniel Birnbaum, curador e diretor artístico da plataforma de produção de arte digital Acute Art. Anteriormente dirigiu o Moderna Museet em Estocolmo e foi o diretor artístico da Bienal de Arte de Veneza de 2009.
“A introdução da fotografia e das tecnologias de reprodução transformou não só a forma como uma obra de arte pode chegar ao público”, disse ele, mas também o que é uma obra de arte. “Se costumava ser aquele objeto único, de repente poderia ter uma edição de 40”, acrescentou.
A produção em massa tornou-se onipresente com Andy Warhol, o pioneiro da Pop Art, que incorporou imagens de publicidade, outdoors, revistas de celebridades e outros meios de comunicação de massa em sua arte. Ao longo de sua vida, Warhol produziu mais de 9 mil pinturas e esculturas e quase 12 mil desenhos, segundo sua fundação. Embora tenham surgido em múltiplos, as obras de Warhol estão entre as mais caras e cobiçadas do mundo: “Shot Sage Blue Marilyn” (1964) foi vendido por US$ 195 milhões em 2022.
Amanhecer de uma Nova Era
A arte e a produção em massa fundiram-se ainda mais descaradamente desde a viragem do milénio, à medida que cada vez mais artistas começaram a conceber produtos para marcas. Entre as primeiras marcas a serem pioneiras nesta prática estava a Louis Vuitton, especialmente sob o comando do então diretor artístico Marc Jacobs. Na coleção Primavera 2003, a empresa lançou bolsas e uma série de outros acessórios de couro com estampas desenhadas pelo artista pop japonês Takashi Murakami.
Murakami faria mais três colaborações com a Vuitton. Em sua exposição individual de 2007-8 no Museu de Arte Contemporânea de Los Angeles, ele instalou uma verdadeira loja Louis Vuitton com bolsas à venda. A loja era “difícil de categorizar”, disse Jacobs em 2008, em conversa com a revista Interview. “Não é esse o estado da arte neste momento? Não é tão fácil de definir.”
Desde então, muitos outros artistas foram contratados pela Louis Vuitton como designers contratados, incluindo Richard Prince, Jeff Koons e Yayoi Kusama.
A empresa controladora da Louis Vuitton, LVMH, também é patrocinadora de longa data de exposições de arte. Em 2014, abriu a Fondation Louis Vuitton: um vasto espaço de arte no oeste de Paris projetado pelo arquiteto Frank Gehry, que programou uma série de shows de grande sucesso, como a recente retrospectiva de Mark Rothko, que atraiu 852 mil visitantes.
As casas de leilões também estão a apanhar o vírus da moda e, desde a viragem do milénio, começaram a adicionar categorias de luxo de elevado crescimento às suas vendas. Em 2023, a Sotheby’s registou vendas de 7,9 mil milhões de dólares, quase um terço desse total gerado por produtos de luxo (ou seja, jóias, relógios, bolsas, mas também carros clássicos, imóveis, recordações desportivas, streetwear e bebidas espirituosas).
Josh Pullan, chefe da divisão global de luxo da Sotheby’s, disse que os leilões de luxo eram “um ponto de entrada inacreditável para novos clientes”, já que metade dos compradores e licitantes nesses leilões eram novos na Sotheby’s.
A Sotheby’s começou a misturar todas as suas categorias de vendas em alguns de seus leilões. Uma promoção de fevereiro chamada “Único” ofereceu de tudo, desde a mesa de console esculpida da Rainha Maria Antonieta até os tênis Air Jordan de Michael Jordan.
Será que o lado do luxo canibalizará o lado das belas-artes?
“Não, não acho que seja um jogo de soma zero: acho que é 100% complementar”, disse Pullan.
O que é certo é que os dois mundos da arte e da moda não são absolutamente comparáveis em tamanho. “O mundo da moda é muito maior e muito mais poderoso”, disse Birnbaum, curador radicado em Londres, observando que a pessoa mais rica do mundo (que vale mais de 200 mil milhões de dólares, segundo o Classificação anual da Forbes) foi Bernard Arnault, presidente e executivo-chefe da LVMH.
Mesmo assim, acrescentou Birnbaum, o artista é visto como importante e persistentemente cortejado pelas marcas. “Há algo na própria assinatura: ela ainda tem aquele magnetismo.”
O truque, disse ele, era mantê-lo. Se artistas que são “grandes marcas” fizerem muitas colaborações de moda, “há o risco de perderem esse magnetismo, essa magia”.
“É um risco para eles”, disse ele. “Não é um risco para a arte.”
