A fronteira nunca está longe da mente de Alex E. Chávez. O músico, escritor e professor – conhecido pelo seu trabalho com a banda Dos Santos de Chicago – há muito que mergulhou no pensamento e nos estudos sobre as complexidades da migração. Seu último projeto, seu álbum de estreia Spresente oneroso, vai fundo, oferecendo uma reflexão íntima de fronteiras, memória e passagens literais e figurativas.
Entre Presente sonoroChávez mergulha nas tradições musicais do México e da América Latina, revirando-as e misturando-as com outras formas, como jazz e rock. Chávez gravou grande parte do disco durante a pandemia, abrindo espaço para pensar sobre o luto e a perda e sobre suas próprias experiências crescendo perto da fronteira no Texas. Ao longo do projeto, Chávez interroga suas experiências como mexicano-americano de primeira geração, ao mesmo tempo que avalia a morte de seus pais e de sua irmã. Tudo isso foi um processo novo e íntimo para o músico. “Em meus outros trabalhos, quase nunca escrevo histórias muito pessoais”, diz ele. “Raramente escrevo na primeira pessoa. Este álbum é tudo isso. Parece um pouco diferente, um pouco vulnerável, um pouco cru.”
Abaixo, Chávez conversa com Pedra rolando sobre o processo criativo por trás Presente sonoro e o que isso lhe ensinou sobre tradição, luto e migração.
Questões de imigração e fronteiras literais e figurativas surgem constantemente em seu trabalho. Diga-me como você estava pensando sobre esses temas neste projeto.
Parte deste material foi escrito após o falecimento de minha mãe, alguns anos atrás. Eu estava pesquisando para o que se tornou meu livro, Ssons de travessia: música, migração e a poética auditiva de Huapango Arribeño, e eu já estava nesse mundo da música tradicional mexicana. Quando ela faleceu, estar naquele universo foi uma forma de processá-lo. E houve outras coisas que surgiram e que pareciam ligadas a isso: Minha irmã mais velha faleceu quando eu era muito jovem. Ela foi vítima de violência doméstica. Então, ao longo dos últimos anos, isso tem sido uma espécie de linha mestra para mim: escrever, lamentar e me apegar a essas memórias. Mas muito disso sempre esteve emaranhado com meu pensamento e meu tipo de experiência visceral com fronteiras: meus pais eram indocumentados quando eu era criança, e sendo essa a experiência de ser do oeste do Texas, a fronteira ser tão próxima, tudo isso isso é contexto para mim.
Avançando para a publicação do livro, que trata de muita música tradicional mexicana, eu estava tentando encontrar uma maneira de talvez estender essa noção de erudição do que conta como erudição. Eu toco música, tenho feito isso a vida toda, então tratava-se de tentar casar essas duas coisas. E foi aí que surgiu o primeiro conjunto, então tudo isso ficou rodando ali: meu trabalho, meu pensamento sobre a fronteira, acaba no disco.
Você trabalhou com Quetzal Flores na produção e colaborou com vários outros artistas neste projeto. Como foi o processo de trazer tantos músicos?
Havia muita liberdade criativa ali. Apenas abrir para as pessoas permite que você veja diferentes maneiras de abordar a música e eu sou genuinamente um fã de todos que acabaram participando do disco. Quetzal faz parte desse legado da música chicana em Los Angeles que está muito ligado ao ativismo. E ele é um vencedor do Grammy e tudo mais, mas mais do que tudo, ele é um ativista. Ele é alguém que trabalha nas artes tradicionais. Eu o conheço há muito tempo, e sua parceira, Martha Gonzalez, que também está no disco, é incrível. Você tem eles e outros continuando esse legado da música chicana que também são inspirados por movimentos políticos semelhantes no México.
Aloe Black (trabalhei nisso também), o que é meio maluco. Ele e Quetzal se conhecem, e começamos a pensar que queríamos outras pessoas cantando, mesmo sendo essas letras minhas e tudo mais. E com a música “Dirty Hands”, Quetzal disse, “Que tal Aloe?” E nós perguntamos a ele, e ele fez isso. Aloe é descendente de panamenhos, então ele cresceu falando espanhol, mas nunca gravou em espanhol, então esta é a primeira vez. Eu seria negligente se não mencionasse Ramon Gutierrez, que é o assassino no mundo de Son Jarocho. É comovente para mim porque você passa tempo fazendo música e construindo uma comunidade e foi muito bom convidar pessoas e pessoas entusiasmadas em participar.
Você está trabalhando com tantos gêneros que são considerados “tradicionais”. Como o trabalho neste projeto mudou ou aprofundou sua relação com esses sons com raízes profundas?
Não sei se minha perspectiva mudou tanto porque acho que por muito tempo sempre tive essa abordagem de querer ir além dos limites da tradição. No final das contas, sou um mexicano-americano de primeira geração, certo? E não me interpretem mal, quando comecei a aprender a tocar huapango, aprendi com os veteranos e estive na trincheira de fazer isso no trabalho. Mas, no final das contas, não sou apenas isso e nunca afirmaria ser apenas isso, porque sou um garoto de primeira geração de imigrantes que cresceu no oeste do Texas e que adora música country e pós-punk tanto quanto existem tanto quanto eu faço um bom huapango. Eu amo son jarocho tanto quanto hip hop. Talvez isso também fale conosco como latinos, mas somos fãs e especialistas em vários gêneros. Acho que sempre tive consciência disso. Então, quando abordo essas coisas em meus próprios projetos, penso: “Bem, vou trazer outra coisa para isso”, porque isso é natural para mim. Acho que muita coisa mudou na minha perspectiva, mas acho que foi ter a oportunidade de fazer isso de uma forma única e parecida com a minha.
Quetzal e eu tocamos diferentes instrumentos tradicionais e quando estávamos acompanhando as coisas, eles estavam todos dispostos. Era como o sonho de um folclorista. Estaríamos rastreando e estabelecendo as coisas e eu estaria lá no momento, e foi um ato de contenção fácil, mas interessante. Poderíamos colocar todos os instrumentos tradicionais nisso? Sim? Nós vamos? Não. Não precisa colocar todas as jaranas e tudo mais; não serve a composição. Era tipo: “Conhecemos a tradição, mas não precisamos fazê-la”. Do outro lado, estaríamos ouvindo alguma coisa e pensávamos: “Por que não pedimos para Martha fazer zapateado e construir o ritmo a partir disso?” Não há bateria nisso, mas diríamos: “Vamos experimentar a batida dos pés da Martha”. Então essa é uma maneira diferente de pensar sobre a tradição.
Agora que o projeto está concluído, como ter concluído algo que lida com a perda pessoal e o luto – bem como o trauma que pode advir das fronteiras – impacta você como artista?
Tem sido uma coisa lenta ao longo dos anos porque algumas dessas peças viveram comigo por um tempo. Parece que vivi neste espaço, mas para conseguir gravar e montar isso, há alguma catarse aí, principalmente com alguns familiares meus. À medida que os solteiros foram diminuindo, os membros da família entraram em contato e essa conexão é significativa.
Para ser honesto, ter isso no mundo parece cru. Em outros projetos, escrevo sobre política e fronteira nesse trabalho criativo. Mas acho que é necessário deixar isso em evidência e para ser sincero por alguns motivos: Primeiro, eu caí neste espaço porque durante a gravação do disco meu pai também faleceu, então houve uma camada adicional de emoção. de naturais. Segundo, espero que isso traduza qualquer tristeza, luto e pesar, porque não acho que fazemos isso publicamente o suficiente. A Covid-19 aconteceu, e esse é um trauma que não processamos. Ficamos apavorados durante dois anos e voltamos imediatamente para Pachanga, mas não conversamos sobre isso. Então, espero que esses momentos através da arte e da reunião ofereçam alguma reflexão. Este álbum é meu próprio luto e tristeza, mas espero que possa proporcionar um momento para as pessoas superarem suas próprias perdas.
